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El carácter necrófilo en una canción

Blaze of Glory, además de ser una canción de John Francis Bongiovi, es el himno oficial de mucha gente vinculada a grupos radicales. A primera vista podría sorprender que una canción que ha tenido un éxito comercial tan grande, siendo aceptada por millones de personas, sirva exactamente igual para gente que mentalmente están tan alejadas del pensamiento común pero profundizando un poco se puede ver que hay explicaciones.
Recuerdo haber visto una entrevista a Charles Manson en la que decía que las personas verdaderamente importantes son los delincuentes que están encarcelados. Su argumento era que había infinidad de películas y novelas que trataban sobre ellos porque en realidad la gente los adora. Las historias sobre criminales son tan interesantes que es común que la gente prefiera este tipo de temas cuando lee un libro o ve una película. Por lo tanto, según la conclusión de Manson, la gente verdaderamente importante suele ser la que está dentro de la cárcel. De esta manera los que están fuera los encierran por motivos que no quieren confesar, uno de ellos es la envidia. Tal es el razonamiento de Manson.
El problema de Manson es que, pese a sus inquietudes musicales, no supo comprender la diferencia entre la realidad y la ficción. Un escritor puede crear un personaje que sea un asesino y no tener necesidad alguna de serlo. Es más, frecuentemente sucede todo lo contrario. Al haber profundizado en su propia alma es fácil que su sensibilidad aumente y comprenda mejor lo que significa matar a alguien. Por este motivo muchos escritores que dibujan los peores asesinos no llegan ni a matar una mosca.
Hablar de música suele ser complicado al ser una expresión artística mucho menos “intelectual” que otras que gozan de igual fama (pintura, escultura,…) Seguro que, a poco que busquemos, podremos encontrar multitud de explicaciones de infinidad de cuadros. Sin embargo habrá muchas menos que expliquen lo que quiere decir (por ejemplo) una sinfonía de Beethoven. En este caso tenemos la suerte de que la música va unida a la letra y precisamente esta letra es la que describe con peros y señales lo fundamental de la existencia de las personas de esta ideología. Aquí, más que en los sonidos, es donde podemos encontrar las claves que nos permitan comprender algo mejor cómo pueden pensar estas personas y los puentes que pueden existir entre ellas y los demás.
Lo que primero llama la atención es el título. Un título que revela el carácter completamente necrófilo del personaje descrito. Esa “llamarada de gloria” (blaze of glory) no es más que el deseo de morir matando porque ya no es que solamente se tenga odio, es que el odio ha captado completamente al personaje hasta el punto de convertirlo en un arma (I’m no one´s son Call me Young gun /No soy el hijo de nadie Llámame arma joven). Recorre tantas partes de la persona que, no sólo lo configura, sino que también hace parecer que ha existido desde siempre (Lord I never drew first But I drew first blood /Señor, yo nunca dibujé antes Pero lo primero que dibujé fue sangre) y tiene como objetivo expandirse, multiplicar la destrucción (I’m a devil on the run A six gun lover /Soy un demonio en marcha Un amante de seis pistolas) aunque ello incluya la destrucción de sí mismo (Let this boy die like a man Staring down a bullet / Deja a este chico morir como un hombre Mirando fijamente la bala). Además ello es consciente para el personaje, que sabe perfectamente que es el mal personificado (I´m what Cain was to Abel/ Soy lo que Caín era a Abel). Sin embargo el odio no es tan innato como parece (When you’re brought into this world They say you’re born in sin / Cuando te traen a este mundo Te dicen que has nacido en pecado). Son ellos, son los demás, es en definitiva la sociedad la que culpabiliza, la que excluye. Es la sociedad la que le ha dejado solo, sin nada ( I wake up in the morning And I raise my weary head I’ve got an old coat for a pillow And the earth was last night’s bed / Despierto por la mañana Y levanto mi cabeza cansada Tengo un viejo saco por almohada Y la tierra fue la cama de la última noche).
Para comprender la naturaleza del carácter necrófilo aquí representado se puede usar el enfrentamiento que tuvo Unamuno con el general Millán-Astray. Unamuno se refirió a Millán-Astray como un tullido, como un inválido físico, pero sobre todo espiritual, que realmente deseaba que todos los demás fuesen inválidos como él, que sufriesen su misma pena. Al grito de “Viva la muerte” Millán-Astray arengaba una consigna necrófila que, como suele pasar en estos casos, siempre bajo la sumisión a una fuerza o entidad superior (en este caso España como nación) tenía como objetivo real (aunque encubierto) la destrucción de todo lo vivo. Haciendo tullido a todo cuanto vive Millán-Astray pretendía trascenderse a sí mismo, trascender su ser mutilado. Unamuno lo decía con estas palabras:” Un mutilado que carezca de la grandeza espiritual de Cervantes, es de esperar que encuentre un terrible alivio viendo cómo se multiplican los mutilados a su alrededor”. Esta frase describe la diferencia entre usar el sufrimiento de forma creativa (que es lo que hizo Cervantes) o de forma destructiva, como pretendía Millán-Astray y como lo hace el personaje de la canción.
Son muy llamativas las repetidas alusiones a Dios (Lord, God,…) a lo largo de la canción aunque el protagonista no pertenece a nadie (I’m no one’s son). Esta aparente contradicción no lo es tanto ya que, por una parte, en regímenes basados en el odio son habituales las referencias a fuerzas omnipotentes sobrenaturales y, por otro lado, la completa desesperación del personaje dirige inexorablemente las súplicas hacia algo que las justifique. No olvidemos que uno de los fundamentos de las religiones es un “no puede ser que esto sea así”, por eso la religión va más allá de la razón, implora por el sentido último. En este sentido creo que es particularmente interesante la vinculación entre religión y totalitarismo que se da en la canción. Precisamente en la expresión artística pueden converger ambas sin ninguna contradicción ya que es el subsuelo emocional que las une es lo que lo permite.
La idea de sentirse perseguido es un tema que se repite en las canciones de John. “Wanted dead or alive” lo tiene también como estribillo y Blaze of glory lo vuelve a citar directamente (“Well they tell me I´m wanted Yeah I´m a wanted man / Bien, ellos me dicen que soy buscado Sí, soy un hombre buscado) y de forma secundaria (Mister Catch me if you can, Señor cógame si puede). Aquí se vuelve a conectar el tema de la película, una de las obsesiones de Jhon y el sentimiento de marginalidad que conllevan estas posiciones extremistas en la vida real.
Ante la desesperación total del personaje no le quedará otra salida que la muerte, con lo que se vuelve a conectar con esta tendencia necrófila. Detrás de la existencia ya no queda escapatoria (Take me now but know the thruth / Tómame ahora pero conoce la verdad). Ya sabe que el otro camino para solucionar sus problemas, el amor, es otra ilusión, otro callejón sin salida (Well, I seen love come And I seen it shot down I seen it die in vane / Bien, he visto llegar el amor Y lo he visto dispararse Lo he visto morir en vano).
No simpatizo con los videoclips pero como en esta edición va incluida la letra original he pensado que sería conveniente para comprender mejor el artículo (si ves un anuncio de youtube puedes eliminarlo pinchando en la "x" de la derecha). El texto es una traducción aproximada de la letra al castellano.



BLAZE OF GLORY

Me despierto a la mañana
Y levanto mi cabeza cansada
Tengo un viejo saco de almohada
Y la tierra fue la cama de anoche

No sé a donde voy
Sólo Dios sabe donde he estado
Soy un diablo en la carrera
Un amante de seis pistolas
Una vela en el viento

Cuando eres traído a este mundo
Ellos dicen que has nacido en pecado
Bien, al menos me han dado algo
No he tenido que robar o tenido que ganar

Bien, ellos dicen que soy buscado
Si, yo soy un hombre buscado
Soy un potro en tu establo
Soy lo que Caín era a Abel
Señor atrápame si puedes

Estoy bajando en una llamarada de gloria
Tómame ahora pero conoce la verdad
Estoy saliendo en una llamarada de gloria
Señor yo nunca dibujé antes
Pero lo primero que dibujé fue sangre
No soy hijo de nadie
Llámame joven pistola

Tu preguntas acerca de mi conciencia
Y te ofrecí mi alma
Tu preguntas si creceré para ser un hombre sabio
Bien, me pregunto si creceré hasta viejo

Me preguntas si he conocido el amor
Y que es como cantar canciones en la lluvia
Bien, he visto venir al amor
Y lo he visto dispararse
Lo he visto morir en vano

Disparar en una llamarada de gloria
Tómame ahora pero conoce la verdad
Porque estoy saliendo en una llamarada de gloria
Señor yo nunca dibujé antes
Pero lo primero que dibujé fue sangre
Soy hijo del diablo
Llámame joven pistola

Cada noche que me acuesto
Le rezo al Señor para que guarde mi alma
No, no estoy buscando perdón
Pero antes estoy a seis pies de profundidad

Señor, tengo que pedirte un favor
Y espero que lo entiendas
Porque he vivido la vida por completo
Deja a este muchacho morir como un hombre

Mirando fijamente una bala
Permíteme hacer mi última posición

Dispararme en una llamarada de gloria
Tómame ahora pero conoce la verdad
Estoy saliendo en una llamarada de gloria
Señor yo nunca dibujé antes
Pero lo primero que dibujé fue sangre
No soy hijo de nadie
Llámame joven pistola

Soy una joven pistola

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El error de Roger Waters con Pink Floyd

Roger Waters ha pasado por ser el líder de la primera época de Pink Floyd. Durante este período su influencia fue tan decisiva que costaba imaginar la existencia o la continuidad del grupo sin que él estuviese incluido. Aunque eran claras las jerarquías también es verdad que el grupo funcionaba como un equipo porque todos los miembros aportaban en mayor o menor medida. Si cada persona de la banda tenía su función, en esta última época anterior a la escisión Waters no sólo funcionaba principalmente como cerebro sino también como casi el único cerebro. Esto fue uno de los principales motivos que hizo pensar a Roger que el grupo le era prescindible.
Sin necesidad de entrar en las razones de los conflictos lo que es indudable es que por aquella época el ambiente en la banda y en su entorno irrespirable. Frecuentemente se suele achacar que esto fuese así en buena medida debido a la conflictiva personalidad del que era su principal líder. Y que Roger uniese el disgusto de la situación con su sentimiento de autosuficiencia parece que debió ser el detonante para que optase por dejar a un lado el grupo y optar por proseguir su trabajo en una carrera en solitario. En ese momento creyó que sin él Pink Floyd no seguiría adelante y, por lo tanto, el proyecto simplemente cambiaba de nombre. Pero se equivocó.
“A momentary lapse of reason” (1987) además de ser el disco estelar de vuelta de Pink Floyd supuso la demostración de que David Gilmour también podía seguir con las riendas del proyecto. Mientras tanto Waters declaraba sentirse muy molesto con su carrera en solitario porque, si a escasos kilómetros docenas de miles de personas iban a un concierto de Pink Floyd, tan sólo unos pocos iba a ver actuar a Roger Waters.
Roger es un músico muy influyente y original, pero su originalidad no pasa de la de su generación. Los temas que trató en Pink Floyd tuvieron tanto éxito porque es la música de la vida de muchas personas, porque nacieron bajo unas determinadas circunstancias sociales. Bajo esas mismas circunstancias sociales se desarrollaron también otros músicos. El malogrado Syd Barret fue uno de ellos. Él ya pudo ejercer de líder en los primeros instantes de Pink Floyd. Cuando él no prosiguió con su trabajo Waters pudo ocupar (al menos en una importante medida) su lugar y si Roger, por el motivo que sea, no continuó como líder el grupo pudo seguir adelante con el liderazgo de Gilmour.
Es cierto que para lograr un nivel importante de calidad artística es necesario un mínimo de talento pero no hay que olvidar la dirección contraria. Cuando uno es aupado a un estatus es cuando tiene muchas más opciones de desarrollar y mostrar su talento. No es que todo lo que alcance una cota de notoriedad sea lo mejor, también podemos hacer que alguien se consolide como lo mejor al creernos todos nosotros que lo es. No es que Roger Waters haya tenido menos resonancia fuera de Pink Floyd por ser peor músico, la ha tenido en una parte importante porque se le ha concedido menos notoriedad.

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Bobby Whitlock: Anclado en el pasado de Derek and the Dominos

Si hablamos de Clapton pocos van a dudar de su talento y de su capacidad creativa, pero lo curioso es que, al ser principalmente un músico "eléctrico" necesita estar acompañado de más músicos, y ha terminado juntándose con gente de muy distintas clases. Cuando toca con otros grandes músicos y se escucha el resultado no hay mayor problema, si es buena música podremos pensar que todos han puesto de sí. Pero cuando ha tocado con otros músicos de distinta calidad artística siempre queda la duda de si cuando escuchamos a los músicos acompañantes son ellos los que producen la "magia" que nos llega o, por el contrario, simplemente siguen al líder que "tira del carro" y eso es lo que "ilumina" al resto del grupo. Bobby Whitlock tuvo la suerte de pertenecer a Derek and the Dominos (una de las efímeras formaciones de Eric Clapton en la que encontró uno de sus momentos artísticos más álgidos bajo la creación del álbum "Layla and other assorted love songs") y, aunque ha colaborado con otros músicos, parece que ha quedado marcado por esta época. Digo esto porque en la actualidad se pasa buena parte de las horas que le restan de vida pegado a su facebook publicando vídeos, sobre todo de "Derek and the Dominos" (en los que él mismo sale) o de Eric Clapton en su época actual. ¿Es esta una forma de vivir en el pasado cuando no se tiene algo demasiado interesante que hacer en el presente?. Parece que sí.
Han pasado más de treinta años desde que Whitlock tuvo la suerte de coincidir con Clapton en aquella histórica época y, aparte de que parece que casi ha perdido el contacto con él, se empecina en mantenerse anclado en ese pasado. Clapton, en cambio, se muestra más preocupado por vivir en el presente que en el pasado. Lógicamente cuando hay una fuerte necesidad de expresarse eso suele terminar imponiéndose frente a vivir a base de recordar "tiempos mejores".
Todos tenemos formas de renunciar a nosotros mismos, una de ellas es vivir en los recuerdos.

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Aaron Lordson: tocando en las calles.

Me encontré con Aaron Lordson como la mayoría de la gente, viéndolo tocar en la calle; y me sorprendió lo mismo que a la mayoría de la gente, el que un músico tan bueno estuviese tocando a ras de suelo en medio de la multitud. Ese día no tenía demasiado tiempo pero sí que me dejó impresión así que después, con más calma, estuve recapacitando e indagando un poco sobre este hombre. Una cosa que me sorprendió de lo que le vi en su actuación es que estuviese tan bien organizado. Una chica se preocupaba de todos los detalles y además pasaba junto a ti dándote un marcapáginas (que se puede ver en el vídeo) en dónde venía el centro neurálgico de operaciones de este hombre, su web. Y esto es porque él se busca la vida por sí mismo. No actúa en locales porque, como según él mismo dice, pagan poco. Desde luego la capacidad que tiene él de convocatoria es bastante superior a lo que se puede conseguir en el común de los locales.


Mirando la biografía en su web vemos que es oriundo de Togo, dónde consiguió licenciarse como ginecólogo aunque al poco de conseguirlo renunció a la profesión para dedicarse a la música. Exiliado de su país natal ha venido a parar al nuestro dónde la vida no le fue fácil y fue durante temporadas un sin techo. Hace poco tiempo apareció en el mediático programa de tve “Hijos de Babel” en el que se dio a conocer sin que sustancialmente cambiase demasiado su vida. Todavía no le ha llegado un contrato discográfico y sigue tocando en las calles cuando le dejan. Y digo esto porque poco tiempo después volví y la chica que repartía los marcapáginas estaba discutiendo inútilmente con dos policías para que no le impidiesen seguir tocando en el lugar. Aaron mismo cuenta su historia aquí:

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Chris Rea: "Too far from home".La música, la idea y la pintura.

Llevo varios días obsesionado con una canción que me ha tocado en lo más profundo. Hace poco escuché de cuajo los once discos pertenecientes al trabajo de Chris Rea “Blue guitars”. Evidentemente escuchar seguidos once discos aturde inevitablemente pero aún así una de las canciones que más me llamó la atención fue la segunda del noveno disco, que se titula “Too far from home”. Después de repasar los discos más detenidamente terminé por obsesionarme del todo con esta canción.
Mucho se ha tratado a lo largo e la historia entre las relaciones entre la verdad y la belleza. Aunque diciendo esto me quede en la superficie pienso que si se ve algo de bello es porque algo tiene de verdadero. Desde aquí voy a intentar sacar algunas conclusiones de lo que deriva de esta canción aunque sé que es bastante arriesgado. Más que nada porque la música no tiene la característica de la pintura de ser una disciplina artística muy ligada y proclive al intelectualismo. Hablado claro, nos podemos pasar largos períodos de tiempo escuchando complejos solos instrumentales sin apenas poder explicar lo que significan, en cambio en un cuadro ya hay más posibilidades de encontrar significados.


Hay veces que hacer las cosas mal o en el sentido inverso tiene sus ventajas. Esta que me ha ocurrido a mí creo que es una de ellas. Para empezar escuché todo a través del ordenador y encima varios de los títulos de las canciones estaban mal puestos, incluido el de esta misma canción. Al hacer esto ni le di una ojeada al libreto, lo que por una parte me mantuvo en la ignorancia y por otra parte me llevó al mismo sitio al que habría llegado leyéndolo, pero esta vez por mis propios medios.
Al poco de escuchar la canción me di cuenta que representaba un “viaje”, una especie de trayecto entre la música irlandesa hasta la llegada a estados unidos a través del océano y lo que este representa. Desde luego una cosa es el viaje “físico” y otra el “espiritual”, ambos pueden ir unidos pero tampoco es algo necesario. En este caso cuando menos se puede englobar dentro del segundo grupo. Luego no sé por qué motivo he asociado el significado de la canción con la película de Martin Scorsesse “Gangs of New York”. La película me gustó pero no especialmente, supongo que la época reflejada allí de los comienzos de ese país me quedó grabada y la asociación pasó al significado de la canción.
Mientras escuchaba repetidamente la canción vi una entrevista a Chris en una de sus exposiciones de pinturas. En una parte de la entrevista Chris se levanta y comenta sus propios cuadros. Uno de ellos es el de esta foto. Cuando vi esto en la entrevista caí en la cuenta de que el cuadro representaba lo mismo que la canción. En ese momento es cuando me decidí a leer el libreto y efectivamente, junto a la letra de “Too far from home” estaba ese cuadro. De ahí lo que comentaba antes de haber llegado al mismo sitio pero por mis propios medios.
Una de las primeras cosas que sorprenden de la canción es la introducción, es la misma que la de “Espresso Logic”. Desde luego es completamente legítimo hacer esto porque las canciones también se pueden componer de la misma forma que los cuadros, es decir usando “unidades significativas” y luego uniéndolas de forma distinta. En este caso es completamente justificado. El propio Chris comenta la parte del cuadro que corresponde a esto y en la que ha situado una gran “arpa irlandesa” que para él representa la música irlandesa. Digamos que para él sería el origen del camino, tanto en el cuadro como en la canción. En el tramo que se encuentra encima a la altura del océano, Chris sitúa las fuentes en las que ha encontrado inspiración para su música. Por ejemplo señala cómo hay una iglesia representada porque según él opina buena parte de la música irlandesa proviene de allí. También está la costa oeste de Irlanda o las guitarras que aquí, en lugar de ser azules como es habitual en su pintura, son verdes. Los motivos son obvios. Y por supuesto en el lado izquierdo del cuadro lo que él llama el “sueño de Manhattan”.
Otro de las formas de ilustrar ese “viaje” son los instrumentos. Desde los tradicionales de Irlanda en el comienzo de la canción hasta usar el violín o el banjo durante el transcurso de la canción. Hay que recordar que buena parte del folklore norteamericano proviene de la herencia de la tradición europea. No sólo fue la música que había en Europa el punto de partida de mucha de la música norteamericana, también fueron los propios instrumentos europeos los que se usaron después allí.
Chris usa también aquí muchos elementos recurrentes en su trabajo. Los nítidos trinos de guitarra del comienzo son muy habituales en él. Ahora mismo se me viene a la cabeza el tema Auberge que es otro en el que también los hace. Si tuviese que encontrar una explicación diría que los asocio con el rumor del bosque. El propio tema de la canción “too far from home” es un leit motiv repetido con idénticas palabras en otras de sus canciones. Yo lo asocio con otro post de este mismo blog:
http://blues-blues.blogspot.com/2007/03/sometime-i-feel-like-motherless-child.html Pienso que la sensación de “desamparo” es muy similar a la explicada allí, incluso las referencias del resto de la canción discurren por el mismo camino (Oh I ask forgiveness, To the lord above). Aunque Chris ha derivado hacia otros estilos su música sigue estando fuertemente influenciada por el blues, incluso en la temática como en este caso. Dando un paso más adelante incluso él suele afirmar repetidamente que el blues americano no es el único tipo de blues, así que en cierto modo el también toca blues aunque no es solamente de la línea americana.
Su sonido de la guitarra es el típico de su época “contemporánea”, que por decir algo aproximado comprendería desde mediados de los ochenta hacia aquí. Quizás en este período es cuando consiguió definir más claramente el sonido de la guitarra. Por una parte solos slide con sonido nítido y baja distorsión que le hacen tener una textura casi de “crema” y por otro lado los ritmos que yo llamo de “motor”. En canciones como “that’s what they always says” se pueden ver con claridad porque están constantemente.
En cuanto a la letra creo que también se le puede sacar algo de “punta”. En otras canciones que ha compuesto también es recurrente el tema del mar; del baile como armonía con los demás (el disco “Dancing with strangers”); de los marineros “inquietos” (“Curse of the traveller”) y así sucesivamente con buena parte del resto de los temas representados en la letra. ¿Qué deducimos de aquí? ¿Qué no hay nada nuevo a estas alturas?. Posiblemente no pero su trabajo es suficientemente profundo como para seguir haciendo estas preciosas composiciones con temáticas de siempre.



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Chris Rea: La parte de piano de "Windy Town"

Desde crio uno de mis músicos favoritos ha sido Chris Rea. Me ha influenciado fuertemente en muchos aspectos. Obviamente en su estilo como guitarrista es uno de los fundamentales, pero Chris destaca también como compositor, cantante y con otros instrumentos. Al poco de comenzar a escuchar “Windy Town” me cautivó por completo y concretamente una de las partes de la canción que más me han gustado es la sección rítmica de los teclados. Parece que ha habido alguien con una idea similar y ha ilustrado en vídeo esa parte en concreto.


Comencé a tocar la guitarra motivado por varios solos que me habían impresionado mucho pero nunca se sabe si la historia hubiese sido distinta si me hubiese encontrado con partes tan preciosas como los teclados de "Windy Town". En formato de audio queda aquí la canción original y en vídeo se puede ver con detalle la parte de los teclados tocada al mismo tiempo.


WINDY TOWN
Driving home from the highland line
We done some gigs on the Clyde and the Tyne
They flew us in from a Hamburg strip
The taste of Dusseldorf still on our lips
.
And on the bus there is a friend of mine
We go way back to the scene of the crime
We sit up front and share a cigarette
And try to remember what we tried to forget
.
He say "Do you remember?"
He say "Do you recall?"
I say yeah I remember, oh, I remember it all
Every time that cold wind blows
Every time I hear that sound
Late night trains shunting down by the river
I remember windy town
.
We come so far and we move so fast
Making hay see it all go past
Round the world and round again
Up and down on that gravy train
but every time that cold wind blows
Every time I hear that sound
The east coast cross winds on the cold wet stone
I remember windy town
.
The freezing corners and the empty streets
The burning passion and the cold wet feet
Three tricky miles home every night
Dodging from the shadows underneath those amber light
No car for kissing and nowhere to go
Except inside each other and I loved you so
I held your face as you shivered in the rainGirl
I'll always love you and I'll love you again
.
Oh everytime, everytime
Every time that cold wind blows
Every time I hear that sound
Late night trains shunting down by the river
I remember windy town
Every time that cold wind blows
Every time I hear that sound
The east coast cross winds on the cold wet stone
I remember windy town

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Ewan McColl: La esencia del folk de Escocia

Aún estaba saliendo de mi adolescencia cuando tuve la fortuna de topar con un disco en el que se hacía homenaje a Ewan McColl por parte de tres reconocidos músicos de la escena folk, Dave Burland, Tony Capstick y Dick Gaughan.
Ewan McColl, nacido Jimmie Miller aunque cambió su nombre como otros escritores escoceses, había venido al mundo en Lancashire (1915). Sus padres eran de militancia socialista y desde joven pudo conocer tanto esto como la tradición folklórica escocesa que ambos padres conocían y tocaban. A los quince años dejó la escuela pasando tanto por el desempleo como por una multitud de trabajos. Por esta época comenzaron también sus actividades políticas en “La liga de los jóvenes comunistas”. En 1932 el servicio de inteligencia británico (MI5) ya le tenía abierto un informe a causa de su pertenencia al partido comunista. Para entonces McColl era un conocido activista político solidarizado con los problemas de la incipiente clase obrera (incluso solía tocar a las puertas de las fábricas).
En 1934 comienza su relación con la actriz Joan Littlewood. Primeramente como un taller experimental de teatro en Manchester, el “Theatre of action”. En 1940 ambos se desplazaron a Londres donde fundaron una escuela de arte dramático. Para 1936 habían regresado al norte de la isla para formar lo que hasta el momento iba a ser su más ambicioso trabajo, “Theatre of Union”, que ellos mismos decribían como el teatro de las gentes y que durante los siguientes tres años tuvo una extensa repercusión hasta los comienzos de la segunda guerra mundial que terminó diseminando el grupo. El propio Ewan terminó alistándose en el ejército aunque con posterioridad desertó sin que por ello fuese procesado (hecho que continúa sin explicación). Hacia 1945 varios de los miembros pudieron reagruparse y se relanzaron ahora bajo el nombre de “Theatre Workshop”.
En 1950 se casa con su segunda esposa, la bailarina Jean Newlove con la que tuvo dos hijos que ambos terminarían siendo músicos. Para entonces McColl había vuelto su atención a la música y esto coincidió con un “revival” de la música tradicional en las islas británicas. Formó el “Ballads and Blues Club” junto a Alan Lomax y otros “socios” en 1953, siendo una referencia del movimiento durante años (el club cerró en 1991).
En 1956 comenzó su relación con Peggy Seeger. Entre 1959 y 1972 tuvieron tres hijos (todos terminaron siendo músicos) y consiguieron ser muy conocidos como pareja musical durante una trayectoria artística que los llevó desde 1957 hasta 1989.
En 1979 sufrió el primero de sucesivos ataques al corazón, que para comenzar le llevó al progresivo deterioro de su salud y para terminar acabaría matándolo después de complicaciones en una operación al corazón en 1989. Aún así Ewan siguió trabajando activamente durante este período
Su legado está, entre otros lugares, en haber recogido la tradición folklórica escocesa y haberla sabido desarrollar en su propio trabajo.

THE FIRST TIME EVER I SAW YOUR FACE (E.McColl)


The first time ever I saw your face
I thought the sun rose in your eyes
And the moon and stars were the gifts you gave
To the dark and the empty skies my love
To the dark and the empty skies.
.
The first time ever I kissed your mouth
I felt the earth move in my hand
Like the trembling heart of a captive bird
That was there at my command my love
That was there at my command.
.
The first time ever I held you near
And felt your heartbeat close to mine
I thought our joy would fill the earth
And would last till the end of time my love
And would last till the end of time.
-
THE BIG HEWER (E. McColl)


Out of the dirt and darkness I was born, go down
Out of the hard black coalface I was torn, go down
Kicked on the world and the earth split open
Crawled through a crack where the rock was broken
Burrowed a hole, away in the coal, go down
.
In a cradle of coal in the darkness I was laid, go down
Down in the dirt and darkness I was raised, go down
Cut me teeth on a five-foot timber
Held up the roof with my little finger
Started me time away in the mine, go down
.
On the day that I was born I was six feet tall, go down
And the very next day I learned the way to haul, go down
On the third day worked at board and piller
Worked on the fourth as a long-wall filler
Getting me steam up, hewing the seam, go down
.
I'm the son of the son of the son of a collier's son, go down
Coal dust runs in the veins where the blood should run, go down
Five steel ribs and an iron backbone
Teeth that can bite through rock and blackstone
Working me time, away in the mine, go down
.
Three hundred years I hewed at the coal by hand, go down
In the pits of Durham and East Northumberland, go down
Been gassed and burned and blown asunder
Buried more times than I can number
Getting the coal, away in the hole,go down
.
I've scrabbled and picked at the face where the roof was low, go down
Crawled in the seams where only a mole could go, go down
In the thin-cut seams I've ripped and redded
Where even the rats are born bow-legged
Winning the coal, away in the hole, go down
.
I've worked in the Hutton, the Plessey, the Brockwell Seam, go down
The Bensham, the Busty, the Beaumont, the Marshall Green, go down
I've lain on me back in the old three-quarter
Up to the chin in stinking water
Hewing the coal, away in the hole, go down
.
In the northern pits I've sweated and earned me pay, go down
Toiled in the worn-out drift mines night and day, go down
Where the anthracite is hard and shining
I've tried me hand at the hard-rock mining
I dug a hole away in the coal, go down
.
Out of the dirt and darkness I was born, go down
Out of the hard black coal-face I was torn, go down
Lived in the shade of the high pit heap
I'm still down there where the seams are deep
Digging a hole, away in the coal, go down

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Ava Adore y Hightlights

Con este comentario voy a arruinar el poco respeto que había conseguido haciéndome el espabilidado con el blues, pero lo suelto igual.
Lo cierto es que llevo varios días que me ha vuelto a poseer el espíritu rockero. Son discos que me gustan mucho desde hace años pero como hace mucho que el blues le cogió todo el sitio al rock es curioso que haya vuelto a escucharlos hoy en día. Se ve que la cabra tira al monte.
El primer disco es el Ava Adore de Smashing Pumpkins. El grupo siempre me pareció bueno pero nunca le presté demasiada atención hasta que salió este disco. Ni siquiera se me ha pasado nunca por la cabeza montarme en la móda gótica ni nada por el estilo...
El caso es que hay muchas canciones que me gustan mucho. Ava Adore , Daphne Descends y Pug sobre todo.
La letra de Ava Adore me parece completamente preciosa. Es como soltar el animal que está dentro. Los instintos y pulsiones explicándose a través de la canción.


AVA ADORE
Its you that I adore
Youll always be my whore
Youll be the mother to my child
And a child to my heart
We must never be apart
We must never be apart
.
Lovely girl youre the beauty in my world
Without you there arent reasons left to find
.
And Ill pull your crooked teeth
Youll be perfect just like me
Youll be a lover in my bed
And a gun to my head
We must never be apart
We must never be apart
.
In you I see dirty
In you I count stars
In you I feel so pretty
In you I taste god
In you I feel so hungry
In you I crash cars
We must never be apart
.
Drinking mercury
To the mystery of all that you should ever seek to find
Lovely girl youre the murder in my wrold
Dressing coffins for the souls
I´ve left behind In time
We must never be apart
.
And youll always be my whore
Cause youre the one that I adore
And Ill pull your crooked teeth
Youll be perfect just like me
In you I feel so dirty in you I crash cars
In you I feel so pretty in you I taste god
We must never be apart

En el otro lado me ha dado por recuperar el tema "Hightlights" de los Backyard Babies. Siempre me ha gustado el ambiente apocalíptico que tiene esa canción.


HIGHTLIGHTS
I saw red, I saw green
I think I saw what the whole world´s seen
Gotta get away, gotta get away
`cause I know that nothin´ lasts forever
In my dreams
But there´s a highlight let me be
.
I need a kick, you need a fix
We are livin´ on borrowed time
Generation breakdown destination hellbound
But I know that nothin´ lasts forever
Hallucinating, stuck together
There´s a highlight let me be
Only you and me
.
It will blow me away
I will never forget
It took a piece of my soul
.
One day I will burn my hand
And i´ll be resurrected in the promised land
Among the gods I feel power and joy I made my choice
but nothin´ will last forever In my dreams
There´s a highlight let me be
Don´t let me out
.
Nothin´ will last forever
Hallucinating, stuck together
There´s a highlight can´t you see
Only you and me
.
Nothin´ will last forever In my dreams
There´s a highlight let me be

Aunque las asociaciones entre imagen y música son muy interesantes nunca he sido muy partidario de los videoclips. En general tienden a estropear las cosas porque anulan la imaginación y tienden a estar guiados por intereses bastardos (comerciales sobre todo) pero no he encontrado imágenes en directo que sonasen bien.

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Ryuichi Sakamoto - The wuthering heights

Una música que adoro. Ryuichi Sakamoto - The wuthering heights.
Hace muchos años que me encanta. Aunque últimamente la tenía algo olvidada un día de mucha niebla, mientras estaba viajando entre las montañas, me volvió instantáneamente a la mente.

En este otro apartado del blog está puesta una reseña de la película "Cumbres Borrascosas" (Peter Kosmisnky, 1992):



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John Hammond: Concierto en "mi hogar"

No me gustan los titulares de periódicos que pretenden ser “llamativos” tergiversando la noticia a costa de conseguir lectores. Me parece un recurso fácil y miserable. Lo gracioso de esto es que ahora parece que hago algo similar y en realidad lo que pretendo es ser lo más exacto posible.
Cuando hablo de “mi hogar” me refiero al conjunto de sitios en los que tengo mis raíces puestas. Para mí es algo muy importante. Me gustan muchos músicos pero no es lo mismo escuchar a uno de “mi tierra” que a otro que sea de otro lugar. Lo mismo sucede con lo que pasa en los sitios en los que he crecido, no es lo mismo que lo que pasa en otros lugares. No es que sea mejor o peor, tampoco es cuestión de apoyar ciegamente algo que siento propio como si fuese cuestión de ciego forofismo deportivo. Simplemente me resulta más íntimo. Siendo estrictos por hogar la r.a.e. entiende esto: 5. m. Centro de ocio en el que se reúnen personas que tienen en común una actividad, una situación personal o una procedencia.
A John Hammond ya lo había visto hace algún tiempo en otra ciudad. Eran unas circunstancias distintas. Un teatro más hecho en el que todo estaba mínimamente profesionalizado. Fue un gran concierto, salí a la calle y todo siguió normalmente. Por otras referencias sabía que intentar “darle la lata” para tocar con él era algo inútil y hay que ser comprensivo con esto. Esta vez fue distinto.
Para empezar cuando tuve noticia de que iba a tocar aquí, me quedé completamente atónito. Sé que John Hammond hace muchos conciertos y en solitario todavía es mucho más “móvil” pudiendo ir a casi cualquier lugar que tenga unos simples requisitos mínimos, pero eso no le quitaba nada a mi sensación de sorpresa. Por aquella época comentaba a mis amigos “Me siento como si Jesús viene a tu casa a regalarte una biblia, por lo menos tienes que escucharlo”. Quizás no es la comparación más adecuada pero es lo que se me vino a la cabeza en aquel momento. Lo cierto es que estaba como un niño con zapatos nuevos. Uno de mis músicos favoritos y seguramente el que más me gusta en acústico iba a tocar a poca distancia.
El concierto fue impresionante. Un aforo pequeño y en un lugar dejado de la mano de Dios en cuanto a blues se refiere, pero eso a John no le importaba. Tocó con una intensidad tremenda dejándose el alma en cada nota que sacaba a su guitarra y su viejo dobro. Muchos artistas se reservan para tocar en las citas más reconocidas (Montreaux se me viene a la cabeza ahora), dejando lo mejor de su repertorio y su creatividad para estos momentos en detrimento de otros conciertos a los que van sin mucho entusiasmo o simplemente a “cumplir” y ganarse el pan. El caso de John no se puede incluir aquí. Fue un largo e intenso concierto en el que nos dio una excelente muestra de lo que son las raíces del blues. Sin querer exagerar creo que hasta era emocionante ver como afinaba su viejo dobro mientras tocaba las canciones. Porque afinar es encontrar unas proporciones matemáticas pero también se puede hacerlo mientras se actúa manteniendo el gusto de la canción.
Cuando terminó el concierto nos fuimos al hall del auditorio. No me había dado cuenta pero siendo lógico lo cierto que es los artistas deberían de salir por la misma puerta que nosotros porque el auditorio era tan chico que no debería de tener sitio para mucho más. Y así fue. Para mi sorpresa John salió acompañado de su mujer esta vez por la puerta principal, no como la anterior vez que no lo
había visto después del concierto. No recuerdo la forma pero el caso es que al poco rato estaba hablando con los dos. La mujer se reía de la foto que anunciaba el concierto. En ella John salía mucho más joven de la edad que tenía en la actualidad. Con John no acerté a preguntarle nada de interés, lo único que se me vino a la cabeza es darle las gracias por su concierto y por todo su trabajo. No soy nada fetichista y generalmente fuera de los conciertos no suelo correr detrás de la gente que admiro pero el caso es que él amablemente me dedicó la entrada del concierto. Tampoco he pedido autógrafos cuando he tenido oportunidades ( y no me han faltado), pero el que me firmó él lo guardo como un bonito recuerdo y mucho cariño. Cualquiera que conozca, aunque sea superficialmente a John, sabe que es una persona extremadamente dulce y muy educada. No se dedica a hacer cosas sólo por el compromiso de hacerlas.
Aquí queda una foto de John en uno de sus conciertos. Y este de abajo es un video de una de las canciones que hace que más me gustan. El Come on in my kitchen de Robert Johnson.



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